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When you get a message asking if you want to interview Miles Silvas about his amazing 5-minute line you obviously say “Yes of course, when can we make it happen?”. But being the nerds that we are, you also ask “What about Colin Kennedy?” because we all know when it comes to documenting skateboarding it takes at least two to tango. So, being the lucky people that we are both Miles and Colin where willing to talk to us so we can all have a look behind the scenes of the /// One Stop video. Enjoy!

Interview by Roland Hoogwater.

Miles Silvas

Nice to meet you, man.

You too, man.

Thanks for making time so early in your day for doing this little talk. That’s really nice of you, so thank you for that.

Yeah, no problem.

So, let’s get to it. Can you tell me where the idea for the “One Stop” video came from?

I first heard about it from Colin Kennedy, he told me he had this idea for this commercial and it sounded a little crazy. He presented it to me and I was pretty hyped, it’s something different. He proposed it to Adidas and they were siked and yeah, it pretty much just went through. Colin was having the idea and then we got started with it.

So how long did it take before you guys got actually got started?

He told me about it, he sent me a mood board/presentation on the idea and then we were out in L.A. trying to do do it in the next couple months, maybe like two or three months or something.

For how many days did you try it?

The whole thing was probably three days. Because we went there and then we had to start around midnight or like later in the night because of the people, the city is always pretty hectic, so the later, the better. The streets get pretty mellow at night. The first night we kinda just mapped it out, where we’re gonna go and how it’s gonna work out and then the next night we started trying. It probably took like two or three nights of trying.

How many tries per night?

A lot of tries (laughs). I mean one of the nights I kinda got over it quick, so it wasn’t too many, but most nights it was pretty much a lot of tries, so when it finally worked out it was a big relief.

I can imagine the feeling you must’ve had when you walked down the stairs, like; “fuck, I did it! It’s over!” Must be quite a relief.

Yeah, finally! (laughs)

How much of the line was planned out?

Most of it was pretty planned out. The first night, we just went across the whole course just pushing, see how fast I needed to go for the filmers to follow me. They were asking me what tricks I wanted to do. The whole thing was pretty mapped out. I knew what I was gonna do in certain places because I had three people following me all the time, there was one filmer, there was one guy riding behind us focussing the camera and then a third guy, in case anyone would hit a rock he needed to get their board back real quick. So yeah, the whole thing was pretty planned out.

What was going on in your head during the line? I mean it’s a 5-minute long line, were you stressed?

The first couple tries were a little weird because it was new, but then once you start trying and trying… It was getting a little stressful but I was just trying to stay calm. I was trying not to think too much about it, or try not to think about how far I’d still have to go. It was pretty stressful, you just think about things that you don’t normally think about, like messing up on flat ground. Usually, you just do the trick and don’t think about it but with the line, I had a lot of distance to go so I was trying to stay pretty mellow and just go trick for trick.

How many times did you get to the last trick and didn’t make it?

I got to the end probably three times. It was pretty dark, we weren’t using any lights, but like the natural city lights. I didn’t really wanna try the trick until I got there because I wanted the pressure to make me try the switch back tail. I got to the end one time and I think I did one of the tricks before a little weird so then when I got to the last ledge I just did a switch back 50-50 and then when I was turning around to go to the subway and I hit a crack and messed up. I was like “Fuck!” so then we just redid it and I was like; “Alright, I’m just gonna do the switch back tail from now on when I get there.” I got there one more time, almost did the switch back tail, and then the third time when I got there I did it and we were done.

So you didn’t do the line multiple times?

No, it was the last night, I tried for super long and everyone was getting pretty tired. It’s kinda hard to notice in the video but when I kickflip over the rail, it was an ongoing battle because we kept on getting kicked out by security. So we didn’t have much more time, and during the make, the security is walking towards the rail. I managed to land it and complete the line. When I was done with the whole thing, it was really late, I walked back and right after we watched it back that whole block of streetlights all shut-off and the city got dark, so it was kinda perfect. The whole city stopped.

It was kind of a do or die.

Yeah, it worked out perfectly, we were all pretty siked that it worked out, ‘cus yeah the city went kinda dead after that.

Did you have one pair of shoes for all the nights? Or did you refresh the shoes every night to make them look as fresh as possible?

I think I switched the shoe maybe twice. The shoe stayed pretty new, I had to keep changing my clothes ‘cus I was wearing a grey shirt, you can immediately see when I start sweating. So I was often changing shirts.

Why this shoe for this campaign? was that something planned out?

Because of the name city cup, in the city… Kind of a thing that’s been in skateboarding for a longer period of time.
Adidas and Colin came up with the idea and they just wanted to bring back that kinda like long lines and like city vibes and stuff. And the shoe kinda has like an old school feel. I think they just wanted to put it back in that kinda situation, have the city cup be in the city, do a long line and kinda just have that cruising kinda feel to the commercial.

Is it something that you would do again? Try long lines like that again? Or was that a one time kind of thing?

I’d be down, I mean if someone else came to me with a cool idea for something to do, then yeah, I’d give it a shot. It was fun, it was something different.

It definitely is something different. As far as the music, did you have any say in that? How did that work?

I only saw the line once when I did it, and then I saw like a raw version of it but I didn’t know what music was gonna go in the background. I just talked to Colin and he was saying he was gonna put something kinda mellow in the background. The first time I saw it since I did it was like yesterday, so it was a little bit of a surprise but it was cool, I liked the music a lot.

The length of the line is longer than most peoples parts are so it’s kinda like you dropped a part in one line.

Yeah, it’s funny.

I guess you could say it shows a different side of your skating, you know? Like your in between tricks. Because you do a lot of single tricks in your parts, this definitely showed a different side.

Yeah, it was cool, I’m definitely glad it worked out and got to create the long line. It was a mission doing it (laughs).

Was there ever a moment where there was something weird happening? Like someone setting the trashcan you’re skating over upright again or something like that?

Nothing too crazy, security would kick us out from the rail spot, they were trying to do laps so we tried to be quick. Or just cars getting in the way or random people, one would hang out sometimes by the trashcan, just little things like that. One time the sprinklers would be on at the gap to ledge so we would have to wait for about an hour for it to dry up. Yeah, just little shitty things, nothing too crazy. Sometimes you’d get to the end of the line and then someones there and you got to restart.

How do you feel about the shoe? Do you like the shoe? Normally I see you in thinner Vulc shoes, this shoe is more a 90’s kinda cup sole shoe, with a Kareem Campbell kinda feel.

I like it a lot actually. I’m a little weird with shoes sometimes, having to film a commercial and not really ever skated the shoe before so I was a little nervous. Nah, it skates super good, I skated it brand new out of the box and it was already broken in. Like super flexible but durable, it felt really good. I like it a lot, and the way it looks, it’s pretty sick. I’m siked on the shoe, it’s cool.

You said you are kinda weird with shoes, what are things that you need in a shoe?

I don’t know, my foot’s kinda narrow, and for some reason a lot of shoes that I wear, my heel slips out of the shoe, and I hate when my foot moves around in the shoe. I just like my foot locked in. Yeah, I don’t know, I try a lot of shoes but these were good right out of the box, at first I was nervous to shoot a commercial or something with a brand new shoe. But the shoe fit my foot really well and it skates super well, so yeah, I was hyped on it.

I understand that every skater seems to permanently be on a quest for the perfect shoe. Anyway, thanks for taking the time to answer my questions.




Colin Kennedy

Where did the idea for “One Stop” come from?

The idea didn’t come to me all at once. It came together over the last few years, in pieces. As you know, the stretch of Wilshire Boulevard that Miles skates in “One Stop” is home to some pretty legendary L.A. skate spots over the past three decades. The first time I skated that area was probably around 1995 and it has been an area I’ve revisited numerous times over the years.

In the last five years or so, that section of Koreatown became a meetup spot for my friends and I for when we wanted to get a late night skate session in. One day, it dawned on me that instead of skating each of those spots as individual locations, I could potentially string together one long line between them all but it would take a certain type of skateboarder to be able to pull it off.

That’s where Miles came into the equation. Over the past three years, I, along with the rest of the skateboard world, have witnessed Miles’ incredible gift on a skateboard via his video parts. Then, a little over a year ago, I was lucky enough to witness his gift first hand when we shot a series of video pieces for his board sponsor, Numbers. After shooting those pieces with him, I knew he was the perfect person to attempt this project with, not only because of his consistency and skill but also because of his temperament. He didn’t seem to get rattled by anything. On top of all of that, I’m a big fan of the oner/long take so any opportunity where I can incorporate that technique into a project, I try to seize it.

How many people were working on this commercial?

We were a very small crew of only five to nine people depending on the night. Most of the time, it was myself, Marc Ritzema (the DoP), Jacob Perry (1st AC), Danny Garcia (driver), Alan Hannon (helping with various crucial roles), Paul Shier (adidas Skateboarding Team Manager), Eric Anthony (adidas Action Sports Senior Brand Designer), and Zander Taketomo who shot still photos with his assistant, whose name was Austin, I believe.

Did you expect to be filming for four nights?

The entire shoot was five nights with the first night being just a rehearsal/walkthrough. On rehearsal night, everyone was equally excited and nervous. It didn’t feel real yet, meaning there was no pressure because we weren’t trying the line yet. Once we started shooting the following night, it all started to sink in.

At first, I was pretty confident that we’d be able to get the line within the first two nights of shooting and then try to up the ante if we were in the mood on the last two nights. By the end of the first night of shooting, I was still pretty confident that we’d get some version of the line by the end of the second night. When it got to the end of the second night of shooting and we still hadn’t reached the final gap to ledge, I started to realize how difficult this concept was to pull off. I reassured Miles that we still had two nights left of shooting so he didn’t need to put extra pressure on himself.

By the end of the third night of shooting, we still had not completed the line and a sense of tension could be felt but everyone remained optimistic, especially Miles, which was amazing considering what we were asking of him.

How did you secure certain objects like the fallen down trashcan (people picking it up etc)

It’s funny you should mention that because that was literally the only thing we had control over along the route. Alan was hanging out in his car next to the trashcan and whenever Miles would make his trick over the handrail, Paul Shier or one of the other guys at our minivan basecamp would radio ahead to Alan to let him know we were coming. Aside from that one obstacle being looked after, we had to deal with the rest of the headaches of the city as they came at us – pedestrians, homeless people, broken sidewalks, lawn sprinklers, and cars.

What were the major difficulties filming? (How did the filmer get up on to curbs during filming etc?)

In terms of filming the line, there were a number of things that made it tricky. Aside from all of the uncontrollable variables such as pedestrians and cars, there was also a handful of sections along the route where the ground was in terrible shape, one small miscalculation meant we’d have to start all over from the beginning. Thankfully, I fell victim to the cracks in the sidewalk only once, which forced us to start over. I felt terrible for doing that to Miles. There were also a few points where I had to step off of my skateboard while filming and either Marc or Alan would pick up my board and sneak around me to place it back in front of me so I could step back on it and continue to travel with Miles. Lastly, one of the things that made it difficult was shooting the entire line handheld without a fisheye. This meant I had to cradle the camera like a baby against my chest. After a few minutes into the line, my arms and legs would begin to burn.

What was the camera setup for this low light situation, and what made you choose that setup?

I knew we wanted to shoot this entire piece handheld and only use available light. After skating in that section of town numerous times, I knew it’d be possible to produce a clean image in low light with a compact, sturdy camera and some fast lenses to accompany it. My good friend and director of photography on this project, Marc Ritzema, has an Arri Alexa Mini package, which was the perfect camera for this type of shot. We met a couple of days prior to shooting and created the best possible handheld configuration with his camera, including accessories. We also rented some Zeiss Super Speed lenses to help us seek out the correct amount of light without adding too much weight to the camera setup.

Did you record audio via the camera or did you have an audio guy present?

One of the only drawbacks with shooting on the Alexa Mini was the fact that it requires a pre-amp in order to record any sync sound. Even with the additional pre-amp, the control over mixing the audio levels is very limited in-camera, therefore, shooting sound directly into the camera wasn’t a practical solution. We also knew that having a sound mixer on location wouldn’t be effective either so we rigged an external sound recorder to my belt and connected it to a shotgun mic that we attached to the camera. It wasn’t the most elegant solution but it ended up working perfectly.

What’s next for you? A one-take full length / do you think this idea could be expanded?

I’m not sure what’s next for me. I’m kicking around a few ideas. A one-take full length would be amazing but I think everyone involved would suffer a complete mental breakdown in the process. However, I do think it’d be fun to try and continue the “One Stop” concept in other cities that have clusters of skate spots between subway/metro stops. Barcelona, New York, and Paris are a few of the cities that come to mind.


As we have been to Paris for the launch party of our recent Paris Paname Issue at Chez Justin a couple weeks ago I got introduced by Thomas Busuttil to Clem Brunel, who is next to Lucas Puig and Stéphen Khou one of the three main guys behind the French fashion brand that is associated with the infamous umbrella symbol, Hélas.

Actually, I wanted to ask Clem if there would be a chance to buy some caps from him before I would had to head back home to Berlin because they currently are still rarely sold over here. Clem kindly invited me and my peeps to meet him at his office to be in a more quiet atmosphere to talk and to have some coffee, as well.


The Hélas office is located in the 11th arrondissement of Paris. On the outside it has some beautiful old wooden framed glass windows were some caps and cloths are shown. Behind the window is a sort of tiny showroom followed by a narrow corridor that leads into a second larger room that serves as storage space.

Clem friendly received us with the before promised cups of coffee and after we had sat down around a table in the middle of the stockroom we naturally began to talk about the developments of the company, for example the switch from making caps only to producing a broader range of cloths, and also we talked about the upcoming projects and collections.


As it turned out, we happened to be there just shortly before the new collection was going to arrive and the office would have turned into a full packed space where one is barely able to walk through. He also told us that they are currently working on a new Hélas video project that they want to drop very soon.

At the end, Clem provided everyone of us with some fresh head covering and we fixed to meet again in Berlin for the Bright Tradeshow. Thanks for having us, Clem!

Today morning at 00:01 the new spring collection was dropped as a quickstrike! Beneath you find some product pictures from the lookbook presented by Hélas very own model boy JB Gillet. To get Hélas products visit the online shop that also provides worldwide shipping.


Text by Paul Roehrs

Photos by Danny Sommerfeld

Lookbook shots by Nikwen

Entering an Absurd State of Mind

Welcome to Moscow. As we walked out of the metro station towards the Absurd office, we found ourselves in the kind of Russian surroundings otherwise only shown on TV: A landscape dominated by a general brown and greyness accentuated by melting snow and mud-splattered automobiles. Maybe this was the Russia I had been hoping for, I thought, but as soon as we walked through the doors of a nondescript building hoping to visit the office of Absurd Skateboards, the atmosphere changed.


This place looked official. The front office seemed like a cross between the waiting room at your local dentist and the airport customs area. As it turned out, the latter wasn’t that far from the truth. To enter the property, we had to hand over our passports and in return we received something similar to a visa. Once we all got our paperwork in order, we were allowed to walk through a little metro type gate and out through a backdoor. Talk about Russian experiences…

The feeling I got when I saw what was behind that door was like falling through Alice in Wonderland’s rabbit hole. We had left behind the customs officers in the dentist’s office and found ourselves in a completely different world; a world dominated by red brick buildings, asphalt, red mud, and a cacophony of sounds. We walked about 100 meters toward an old building that looked like your typical dusty abandoned factory, and knocked on the door.

A Strange Reality

Soon enough, we were welcomed by Kirill Korobkov from Absurd Skateboards. He opened a wooden door, ushered us into the factory, and we proceeded to walk up not one, but five flights of stairs. We where all breathing heavily! We turned left into a hallway with old Soviet message boards on the wall, only to witness Kirrill stop at one of the many uniform-looking doors, he put the key in the lock, and welcome us into a clean white office. It’s safe to say that at this point, I was in a “what the fuck did I just experience” kind of state.

As we got used to our surroundings, Kirrill started to tell us something about his skateboarding company:

“Absurd was started about six years ago by former Russian skate photographer Lev Maslov and Absurd team rider Gosha Konyshev. They got together to create Absurd during a time when the Russian skate industry was slowly developing. Russian skaters stopped skating for American brands and started their own companies. By doing this, they created an industry that has a particular Russian vibe instead of trying to fit in with an already existing brand. They created their own brand to fit their style.”

Kirrill continued: “In line with that idea, our art direction is partly done by people like Pascha Kuznetsov, Gosha Konyshev, Lev Maslov and some friends of the brand. Everybody on the team contributes something to the company; from the graphics, social media to getting the boards shipped – we all work together in one way or another.” 

Kirrill gave us a quick tour around the office, so we checked out the different board shapes and graphics. One thing that caught my eye was that, within all the Russian lettering, I could still read the Absurd logo. Kirrill explained: “The name Absurd is written the same in Cyrillic and the basic Latin alphabet. It wasn’t planned that way, but we are happy with the way it turned out. We don’t need to translate anything and we don’t need to change the name depending on the country.” All over Russia, the brand has been picking up in the years that Kirrill has been with the company: “The Russian skate scene really supports us. Over the last few years, everything has consistently sold out. We’ve got costumers in 60 different cities spread all over Russia; from Vladivostok to Kaliningrad. There is always something to improve, but we are doing well.”

The videos, which you need to YouTube, also help in building an image and personality around the brand: “As for the videos we are trying to do something different, something experimental. There are new videos coming out every day so why would you do the same thing,” said Kirrill.

As the tour went on, we all took turns looking out of the window at what lay outside beneath us. “Would you like to go for a walk?” Kirrill proposed. The obvious answer was YES.

So we walked back down the stairs, through the door and back onto this immense industrial site.
I don’t think I’ve ever seen a place that looked more like a movie set. Big windows looking into rooms with old machinery lit by a single light bulb, dark streets that reminded me of the Godfather movies, and people sitting in random rooms smoking cigarettes waiting for their break to be over. At the same time, it was starting to become obvious that our crew must appear totally out of the ordinary. We were basically acting like children on their first visit to Disneyland. In the midst of all this excitement, I asked Kirrill if he knew anything about the history of this place:

“These grounds are home to one of the biggest still existing ex-Soviet factories. It was built in the 1930s during the Stalin-era. These factories produced the large machinery for power plants. The oldest part of the factory grounds is a particularly interesting place because of the special type of architecture. It’s one of the last remaining examples of Soviet industrial architecture of the 1930s. I think this factory was once the number one factory in Russia. Now things have changed. The factory itself is still in production but it’s much smaller. There are a lot of empty spaces for rent. These spaces are popular amongst artist, musicians and other small companies like us.”


Even though we were in Moscow, I said, I got the strange feeling like we could have been standing in one of the old parts of New York or Manhattan. It’s almost like we found a time machine and as soon as we stepped trough the portal, we entered another dimension.

“It’s probably the architecture of that time that reminds you of some of the famous buildings in Manhattan. They were built around the same time, even though the Cold War tension had started. I feel like they inspired each other’s architecture. The oldest part of the factory is a really interesting place, you can still feel the Soviet vibe over there. I’m happy that we [at Absurd] moved our business here about two years ago. I enjoy being here even when I’m not working. It’s a space that evokes thought and inspires you. I’m happy that the government realizes the historic value of this place and decided to declare it as a monument.”


We walked into a building that on the one side had all the features of a marble palace but also had hallways that reminded you of Bladerunner or maybe even Aliens 3. As good tourists, we were filming and taking photos of anything and everything that crossed our path. People started to take more notice of our crew and as we exited the building, we were confronted first by a guy that told us that taking photos was prohibited. We then walked for about five meters and a second guy showed up. This was turning into a situation. As it turned out, he was an important person. And he aggressively spoke to Kirril. To make a long story short: after about five minutes we were advised by Kirril to go back to the office, take our stuff, and leave the premises before we would get in some real trouble. We all hurried, through the door, up the stairs into the office to grab our stuff and get the heck out of there. Some people you just don’t want to argue with…

When we walked out of the main door and onto the street, we kept on walking for about three minutes, before we looked at each other and said: “Well, that was sketchy!” But also: “Wow, how beautiful was that place?! What a crazy experience!”

The conversation went on like this until we got back to our apartment. We were happy. We had gotten what we came for – and more. We also got our first glimpse into another side of Russia.

by Roland Hoogwater

Photos: Benni Markstein

Brooklyn, Manhattan, Queens, Staten Island, and the Bronx – these are the five boroughs that compose what is probably the most vibrant city in the world. In the mid-1990s, when the skateboard industry was still focused on the West Coast, Steve Rodriguez and Mark Nardelli got together and thought about running their own board company straight out of New York, their hometown. Since those days many things have changed, including spots, team riders and the whole way of riding a skateboard. But the passion and unique style of the company still continues to grow, driven by the artistic outlook on life maintained by Nardelli, who is running the business out of his apartment on Manhattan’s Lower East Side.

For this story, We got the chance to take a look behind the scenes and find out why 5BORO is a one-of-a-kind company with amazing board graphics like the VHS series, and especially the very popular plane series drawn by our good friend Stefan Marx. Thanks to this connection, we found ourselves chatting it up with Nardelli in NYC one day, where we talked about the history, creative ideas, and that special something behind the Five Boroughs.


How did 5boro come to life?
5boro was started by Steve Rodriguez back in the ‘90s. It seemed like skateboarding on the East Coast was going through an explosion during those years. [Filmer] RB Umali came out with the first Eastern Standard Time videos, and around the same time Dan Wolfe released the Eastern Exposure videos. Those videos coming out gave the East Coast such a big amount of exposure, we felt there was a lot of momentum and we wanted to do our own thing. The scene was kind of comparable to how it is nowadays – with different crews having their own creative ideas and making their own products. The only thing is that the New York of the ‘90s is very different from today, in that the city is a lot friendlier right now.

How did you get involved with the company?
Me and Steve where both on some independent companies prior to 5boro and I always got involved with the companies I rode for. At first 5boro was run by Steve and another guy, but after a while Steve found out his partner was doing some crooked business through 5boro, so he fazed him out. And that’s where I came into the picture. So around 1996, I started working for 5boro, so that means I’m approaching the 20-year mark. I ran the company together with Steve for 15 years and for the last five I’ve been doing it by myself with help from Tombo, our team manager.

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Can you tell me a little bit about how skating in New York was back in the mid-90s?
This was just after the big pants, small wheels era that skating went through and skating seemed to come back around to what we would call solid street skating.
Pretty much, but there were still a lot of people skating around with small wheels, but at the same time you had people skating 8.5 inch boards with 60 mm wheels. People were still skating very technical, it was a progressive time in skating where we were finding out what the standards were.

5boro stands for the five boroughs that make up New York. Do you feel like it is important for the brand to have this connection to the city?
I doesn’t really matter to me, but we are a New York brand and some people around the country have given me the feedback that they could sell New York products. It does have its ups and downs, but for me it’s more important that we make good products and do good things for skateboarding. At the end of the day – love it or leave it.

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What is your favorite borough?
I feel like that changes from time to time. I am very attached to my neighborhood, Chinatown in Manhattan. I was going to Queens Astoria and I really liked the neighborhood so I popped into a real estate agency to see what an apartment would cost. At the same time, there are so many good spots out in the city even when you have been living here for 20-something years you’ll still come across place you haven‘t seen before.

Who is responsible for the visual direction of the brand?
In the beginning it would be friends of ours that handed us graphics, but I feel the aesthetic of all of those artists didn’t have a similar vibe. So now we work with artists who have an aesthetic that fits each other’s work. This in turn means that the visual identity has a clearer direction.
I might approach certain artists if their work connects to an idea I have, but in the end I am the one who curates and guides the process. Still though, I have to say I get a lot of help from family, friends, skateboarders, and artists.


Where did you meet Stefan Marx?
Originally I met him when he was visiting NYC. He was around and I would see him here and there and I knew about his artwork, but we got hooked up through my friend Pitt, who works at Cleptomanicx. Eventually, Stefan asked if he could stay at my place for a month and I said yes, but in the back of my mind I was thinking, ‘Fuck, this dude is going to be with me for a month!’ So right when he arrived hurricane Sandy hit and we didn’t have any electricity so he ended up crashing on my sister’s couch for about two weeks and we were working in a friend’s art studio. In the end we had the illest time and from that experience we remained in contact and eventually made a series of 5boro x Stefan Marx boards.


I feel like 5boro boards are often bought with the purpose of hanging them on the wall. People seem interested in the art just as much as the boards themselves.
Yes, I feel like we have become the artist’s skateboard company, at least here in NYC. People often ask me when the next series is coming out, but we are definitely a company that values quality over quantity. There is a sick series which we did called the Modern Art series, we put that out a couple of years ago and the graphics were inspired by Stuart Davis; a popular artist in the 1950s. It’s my favorite series we ever did, but no one saw it.


Why not?
This was before Instagram and all these social media tools that can help expand your reach as a brand. So now when we do a series like the VHS series, a lot more people see the boards than before the social media explosion. Going back to the VHS series, though, that idea came because I had old VHS tapes that I saved because my parents wanted to throw them out. I didn’t want to lose my first sponsor-me tape, so I brought a couple of tapes home and I noticed they screen-printed the boxes with designs. So I Googled a bunch of graphics that were on the boxes and mocked them up for a series, then I just left them there for about a year. After a while it became time to do a board series again and I came across them and started showing some people, and they where immediately stoked. Then I had to put them out quickly before someone else did it.
I have these phases where I’m super into Google Image searches and I end up making a lot of stuff, but after some time I just end up forgetting about the stuff I made, I have folders with folders in them and in those folders are folders and somewhere in this mess there are some graphics. From time to time I’ll post a photo of those folders on Instagram.


Is it important for you to remain independent?
We are doing okay but because of our independence we are still hustling. About five years ago, me and Steve had a pretty big debt and a friend of mine put in some money so we could keep the company going. But now the company is self-sufficient, there are two people working full time, it’s pretty small. I feel like nowadays a lot of smaller companies partner up with bigger firms like adidas or Nike just to make things a bit easier. We are open to do it but in the end we are focused more on the quality over quantity formula. Plus, we are getting by. And it’s still a great outlet for my creativity so I feel like we will be around for a while.


Thanks for the interview, Nardelli.
Thank you!

Interview & photos: Benni Markstein

What happens when you give two Dutch artists the incentive to make a behind the scene’s skate documentary? This last year Walker Pachler and Ruben van der Linden went out skating and filming non stop to make what is now known as Sander The Skatefilm.
If you are bored and want to see skateboarding represented in a way that is different from a lot of other video’s out there give their latest project a try.


Hinter jedem guten Brand steckt immer ein guter Art Director. Alles geht durch seine Hände und prägt die visuelle Identität der Marke. Unsere Rubrik Behind the Scenes gibt Einblicke in die Arbeit der kreativen Köpfe bei den aufregendsten Brands. Heute wollen wir eine durchaus bunte Company beleuchten, die viele Skateboarder rund um den Globus und seit Jahren fast täglich ganz nah an sich ranlassen: Es geht um Boxershorts und ja, ihr liegt richtig, wenn ihr jetzt an Lousy Livin denkt. Wir haben Stefan Marx und Pitt Feil in Hamburg besucht und uns über die Company, Arbeitsteilung und das World Wide Web unterhalten…

Hi Pitt, wie bist du mit Stefan in Kontakt gekommen?
Das war kurz vor der Jahrtausendwende, ich hatte schon ein wenig von Stefans Arbeiten mitbekommen und war sehr gespannt darauf, ihn kennenzulernen; kurze Zeit später könnte ich ihn dann für eine Clepto-Aktion gewinnen. Damals ging alles drunter und drüber, und Stefan war das fehlende i-Tüpfelchen, das mir die ganze Zeit gefehlt hatte – menschlich wie gestalterisch eine fantastische Bereicherung!

Was ist dein Aufgabenbereich bei Lousy Livin?
Sehr viel Verwaltung, auf allen Kanälen schauen, dass Termine und Ziele eingehalten werden. Wenn ein neues Motiv zur Produktion eingereicht wird, bin ich bei jedem Schritt dabei, um sicherzugehen, dass es auch so zu 100% umgesetzt wird, wie wir es uns vorstellen. Gerade aktuell bin ich mit diversen Vertrieben am Ausloten, wie Lousy in den jeweiligen Ländern am besten wahrgenommen werden kann. Kurzum: Ich bin der Polier auf der Lousy-Expansionsbaustelle.

Wie sieht denn ein typischer Tag im Leben von Pitt Feil aus?
Ich habe das Glück, glücklich verheiratet zu sein, und dass zwei kleine Jungs mir das Leben neben der Arbeit sehr versüßen. Aufstehen, Kinderfürsorge, 10 Uhr Telefonat mit Stefan, Büroalltag… viel Raum für flexible Sachen bleibt da nicht.


Und wenn es an die Fertigstellung einer Kollektion geht?
Dann kommt noch die Nachtschicht dazu, wenn die Jungs schlafen.

Welche Rolle spielt Social Media in der Markenkommunikation von Lousy?
Eine große Rolle, alle Kanäle sind wichtig, vor allem ist es ja die Chance der Gegenwart, allgegenwärtig sichtbar zu sein. Ich finde es nach wie vor richtig gut, wie eng die Welt miteinander durch das Netz verknüpft ist und wie schnell sich Projekte entwickeln können.

Arbeitest du eher on- oder offline?
Fast nur online, wenn Muster zur Ansicht ankommen, ist das ein ausgemachtes Offline-Highlight.

Pitt, von dir findet man im Internet kein einziges Bild und auch sonst ziemlich wenig Infos zu deiner Person. Wieso ist das so? Verweigerst du dich den sozialen Medien?
Einerseits hab ich zum Glück einen Vornamensvetter, der im Google-Ranking auf Lichtjahre hinaus alles dominiert, und zum anderen hat sich das irgendwie so ergeben. Ich finde das auch gut so, mir gefällt es einfach, im Netz etwas unsichtbar zu sein. In den einschlägigen Netzwerken bin ich nicht zu Hause, komme auch einfach nicht dazu, sitze ja eh schon viel zu viel vor der Kiste.


Verpasst du dadurch nicht Chancen für die Firma?
Nicht unbedingt, die Firma steht meiner Meinung nach für sich und deren Produkte, und alles, was ich für die Firma hinzusteuere, hat in puncto Außendarstellung keinen bedeutenden Wert. Stefan ist ja angenehmerweise unser Netzbotschafter.

Was habt ihr denn für Pläne in der Schublade, worauf können wir uns in Zukunft freuen?
Da sind schon einige neue Kooperations-Designs in der Schublade, aktuell für den März kommt die Frank Skateboards-Boxershorts auf den Markt, sowie zwei neue Designs von Stefan. Im Sommer dann der Kracher mit der „One Up“-Crew. Parallel arbeiten wir nach wie vor an den Lousy-Mini-Clips, Lucas Fiederling und Torsten Frank sind hierbei eine Riesenhilfe!

Besten Dank für das Gespräch!

by Danny Sommerfeld

Hinter jedem guten Brand steckt immer ein guter Art Director. Alles geht durch seine Hände und prägt die visuelle Identität der Marke. Unsere Rubrik Behind the Scenes gibt Einblicke in die Arbeit der kreativen Köpfe bei den aufregendsten Brands. Heute wollen wir eine durchaus bunte Company beleuchten, die viele Skateboarder rund um den Globus und seit Jahren fast täglich ganz nah an sich ranlassen: Es geht um Boxershorts und ja, ihr liegt richtig, wenn ihr jetzt an Lousy Livin denkt. Wir haben Stefan Marx und Pitt Feil in Hamburg besucht und uns über die Company, Arbeitsteilung und das World Wide Web unterhalten…


Stefan, wie kam es eigentlich, dass Lousy zur Boxershorts-Company wurde? War das von Anfang an der Plan?
Nein, das war natürlich nicht der Plan. Als ich damals mit 16 mein T-Shirt-Label The Lousy Livin’ Company gegründet habe, war der Plan, immer mal wieder Lieblings-T-Shirts für meine Freunde und mich zu veröffentlichen. Das habe ich auch eine ganze Zeit lang gemacht, in Hamburg dann während meines Studiums parallel mit Pitt an Cleptomanicx gearbeitet. Bei Cleptomanicx hatten wir Boxershorts in der Kollektion. Ich fand es immer super, Stoffmuster zu entwickeln, für Boxershorts und Bettbezüge.

Als wir in den letzten Jahren mit Cleptomanicx markenrechtliche Probleme in Europa bekamen, aber die Boxershorts bei Skatern weltweit beliebt waren, diese uns auch unterstützen wollten, aber parallel dazu große Textilsponsoren hatten, war dies ein Grund von vielen, nur für die Boxershorts ein eigenes Label zu gründen. Auf der anderen Seite ist unser Produkt unabhängig von der halbjährlichen Kollektionshysterie der Modeindustrie und „never out-of-stock“, was eine andere Arbeitsweise erlaubt. Der Name lag dann einfach nah, Lousy Livin Underwear und The Lousy Livin’ Company begleiten sich nun gegenseitig.

Was ist denn dein Aufgabenbereich bei Lousy Livin?
Ich beschäftige mich mit der visuellen Seite des Labels, alle Stoffmuster, Anzeigen, Kataloge etc. Aber auch ein großer Teil an Kommunikation mit den Labels, mit denen wir Collaborations entwickeln, das Abwickeln der Grafiken für die Produktion. Außerdem auch die ganzen Grafiken für unsere Videos, die wir mit Lucas Fiederling erstellen, und dann male ich noch ab und zu ein neues Lousy Livin-House-Obstacle an, die immer von meinem Bruder Michael gebaut werden.


Beschreibe uns doch mal deinen typischen Tag!
Kaffee, Studio, Arbeit, Telefon, Zeichnen, Scannen, Leute treffen.

Und wenn es an die Fertigstellung einer Kollektion geht?
Dann wird nur daran gearbeitet, aber da wir aber tatsächlich mehr neue Produkte über das ganze Jahr veröffentlichen und uns aus dem sechsmonatigen Kollektionsrhythmus-Wahnsinn ausgeklinkt haben, gibt es auch keine Kollektions-Nervenzusammenbrüche.

Welche Rolle spielt Social Media in der Markenkommunikation?
Unsere Lousy Livin-Supporter haben in den letzten Jahren viele Clips mit Lucas Fiederling und Torsten Frank gedreht, diese werden online gezeigt, sowie natürlich alle Neuigkeiten zu Lousy Livin, neue Produkte etc.

Arbeitest du eher on- oder offline?
Online leider! Aber ich plane Offline-Zeiten!

Du bist ja auch als Künstler tätig, hast Ausstellungen und bereist die Welt. Wo laufen die Verkäufe besser – im realen Leben oder übers Netz?
Ich bin froh, in Galerien Ausstellungen machen zu können, mit Öffnungszeiten und Ausstellungsdaten. Diese Praxis hat das Netz noch nicht abgelöst. Auch Studiobesuche und so weiter sind komplett offline! Aber natürlich spielt das Netz immer eine Rolle, klaro, 2015 eben. Die Leute ziehen sich alles rein.


Kann man sagen, dass du dich und deine Kunst über Social Media präsentierst und vermarktest?
Ich habe viel Spaß daran, ein paar Arbeiten digital über Instagram zu zeigen, parallel spiegle ich dies auch auf FB. Es gibt eben immer so verschiedenstes Feedback in den Kommentaren, das macht mir schon sehr viel Spaß. Wenn ich eine Zeichnung dort poste, wird diese wohl von mehr Leuten gesehen, als in einer Ausstellung in einer Galerie, die einen ganzen Monat dauert. Meine Sonntagsdepression behandle ich gerade mit einer Sundaayyyssss-Kolumne, ich versuche jeden Sonntag eine Sundaayyyssss-Zeichnung zu zeichnen und zu posten. Mein Traum wäre eigentlich eine Sonntagszeichenkolumne in einer Wochenendausgabe einer großen Zeitung, Feuilleton der FAZ am Sonntag wäre das Tollste. Back to print!


Vielen Dank für deine Zeit!


by Danny Sommerfeld

In dieser Ausgabe geht es vermehrt um den Umgang mit sozialen Netzwerken und das Leben mit einer ununterbrochenen Internetverbindung. Mit mehr als 300 Millionen Usern ist Instagram vor Kurzem am Social-Media-Kollegen Twitter vorbeigezogen, und auch in Skateboard-Kreisen scheint ein Foto oder Video interessanter zu sein als das geschriebene Wort – oder kann sich jemand vorstellen, wie Lucas Puig seine irrsinnigen Neuerfindungen auf dem Skateboard in nur 140 Zeichen erklärt. Witzig wäre es, und lesen würde es sicher auch der eine oder andere, nur fehlt uns der bebilderte Beweis. Mit dieser Ausgabe wollen wir nicht den Finger heben, jedoch die eingegangenen Signale verarbeiten und einfach mal darüber sprechen, denn das hat doch schon immer geholfen – #willkommenzurausgabenummereinundfünfzig.

Malte Spitz InterviewKeine weiteren Fragen
Skateboarding im digitalen ZeitalterWir fällen permanent Urteile
RepostEin digitales Experiment im Spiel mit on- und offline
Behind The ScenesLousy Livin
Patrik Wallner’s Silk Road“A Far Offline Journey” by Mike o’Meally
Butts & BluntsMarco Hernandez
Leo Valls Interview“A French man in Japan” by Kevin Metallier
Greetings from TPDGGallery

Malte Spitz Interview by Jonathan Peters

Skateboarding im digitalen Zeitalter, ein Gespräch zwischen Benni Markstein und Sara Chahrrour.

Repost, ein visuelles Experiment

Butts & Blunts by Marco Hernandez

Das Heft bekommst du im Skateshop, am Kiosk oder online in unserem STORE.

“When I started I just started Learning by doing the hard way.
There’s always this risk, but that’s my job.
It’s my job to create interesting graphics, interesting products and interesting visions of skateboarding.
It’s always a balance between what you believe in and what’s best for the company.
Just doing my shit basically.”

Hi Pontus, wusstest du eigentlich, als du Polar gestartet hast, wie viel Arbeit da auf dich zukommen würde?
Ich wusste schon, dass ich eine Fanbase von Leuten hatte, die auf die Sachen stehen, die ich mache. Ich hätte aber niemals erwartet, dass die Company so schnell wächst, schon gar nicht global. Dadurch sind ganz plötzlich sehr viel Arbeit, Probleme und einfach Dinge entstanden, um die es sich zu kümmern galt. Von Produktion, Logistik, Versand, Rechnungen… all das Zeug halt. Darüber hatte ich mir vorab keine großen Gedanken gemacht, ich hab schließlich einfach angefangen. Mit sieben Boards und ein paar T-Shirts ging’s los. Alles ging dann sehr schnell, und heute ist es echt extrem viel Arbeit. Damit hatte ich nicht gerechnet, schon gar nicht, dass es so groß werden würde.

Hattest du denn bereits Businesserfahrungen? Studium, Ausbildung oder alles DIY?
Seit ich skate, bin ich in der Skateindustrie unterwegs, war in den Staaten und habe durch Jeremie (Daclin) und Cliché, außerdem durch Justin mit Mad Circle bereits früh mitbekommen, wie das Business läuft. Das zu sehen und mitzuerleben, hat mir eine Menge Sachen beigebracht und meine Gedanken angeregt. Die Sachen sind auf jeden Fall cool, aber aus der Perspektive des Teamfahrers hast du auch eigene Ansprüche an Companys. Was jedoch mein eigenes, offizielles Business angeht, hatte ich das bisher noch nicht. Auf dem Gymnasium habe ich die Wirtschaftsklasse belegt, also verstehe ich schon, dass man einen Profit erzielt, wenn man etwas kauft und es dann für mehr Geld wieder verkauft. Aber eigentlich ist alles Learning-by-Doing, und ich hab nicht wenig Lehrgeld dafür bezahlen müssen.

Wie seid ihr denn inzwischen aufgestellt? Sind anfängliche Probleme beseitigt?
Ja, wir sind auf einem guten Weg. Für die kommende Frühlingsauslieferung sind wir gut vorbereitet, aber es hat drei Jahre gedauert. Wir haben noch immer keine Webseite und keinen Webshop!


Deine Company ist sehr schnell gewachsen. Hast du auch manchmal Angst davor, dass ihr genauso schnell wieder weg sein könntet vom Fenster?
Das Risiko gibt es immer, aber das gehört dazu. Es ist mein Job, interessante Grafiken, interessante Produkte und interessante Visionen von Skateboarding zu schaffen. Solange du deinen Job gut machst, z.B. neue Videos präsentierst, coole Ideen und Visionen hast, Projekte an den Start bringst, dabei eine hohe Qualität bewahrst, wird alles gut. Doch du musst auch aufpassen und die Balance zwischen Bedarf und einer guten Erreichbarkeit auf dem Markt halten. Wir haben z.B. aus unseren Fehlern auf dem deutschen Markt im Jahr 2013 gelernt. Wenn eine solche Sache zu schnell wächst, ist es sehr schwer die Übersicht zu behalten. Es ist kein einfacher Markt. Es gibt die kleinen Shops, die großen Läden und dann die noch größeren Accounts – die ganze Industrie ist ein einziges Durcheinander! Ich will das machen, woran ich glaube, muss aber auch seriöses Business betreiben und eventuell auch an diejenigen Shops verkaufen, die ich weniger mag.

Wie sieht ein normaler Bürotag für dich aus?
Das ist von Woche zu Woche unterschiedlich. In den letzten Tagen habe ich z.B. den ganzen Papierkram aus dem letzten Jahr erledigt, das ist ziemlich langweilig. Dann gibt es aber auch Wochen, da sind wir jeden Tag hier mir Stefan und Jacob, unserem Graphic Art Department bei Polar. Wir sitzen dann zusammen und arbeiten an neuen Grafiken und Boards. Und dann gibt es noch andere Wochen, wenn wir z.B. an Ideen für eine neue Textil-Kollektion arbeiten, was also auch viel Designarbeit bedeutet.
Generell kann man es wohl als Leitung der Company bezeichnen, viel Papierkram und Emails, Informationsaustausch mit Leuten, Vertrieben, Shops, Skatern und Magazinen, Marketingdeals, einfach alles eigentlich. Man weiß nie so genau, was als nächstes kommt. Die Maschine will die ganze Zeit gefüttert werden.

Wo kann man Polar mittlerweile kaufen?
Unsere wichtigsten Märkte sind Amerika, Japan, UK, Frankreich, Deutschland und Skandinavien; danach kommen Italien, Belgien, Spanien und weitere europäischen Länder, und manchmal gibt es auch vereinzelt eine Order aus Algerien oder Russland.

Wie wirtschaftlich ist Polar eigentlich?
Ich sage mal so: Skateboards zu verkaufen ist kein Zuckerschlecken. Du musst pro Jahr verdammt viele Boards umsetzen, bis du überhaupt erst mal Geld zu Gesicht bekommst. Deswegen geben wir mit den Klamotten richtig Gas, und es läuft gut an. Das Geschäft läuft nicht übel und wir können überleben, den Teamfahrern ihren Stuff schicken, ein paar Touren machen, ein paar Pros und unser Art Department bezahlen. Aber eine Company zu führen kostet eben auch richtig Geld.

Pontus Alv

Was macht dir persönlich am meisten Spaß?
Für mich ist die Business-Seite nicht sonderlich interessant. Mir geht es mehr um die Bewegung, das Movement. Wir versuchen die Kids zu stoken mit krassen Grafiken, dabei coole Projekte und frische Visionen von Skateboardkultur einzubringen. Das Wichtigste ist für mich das Aufzeigen von Alternativen, von neuen Wegen. Wenn die Leute die kommerzielle Seite wie Street League etc. mögen, dann ist das okay. Aber wir brauchen auch die andere Seite der Medaille.

Eine Punk-Attitüde?
Nicht unbedingt Punk. Polar ist, was wir sind, woran ich glaube und wie ich Skateboarding verstehe. Es geht nicht unbedingt um Revolution, das macht vielleicht einen kleinen Teil aus, aber insgesamt geht es darum, für eine Kultur zu kämpfen, die ich liebe. Nüchtern betrachtet mache ich nur meinen Scheiß, ohne zu sehr darauf zu achten, was andere machen oder denken. Und hoffentlich macht sich das am Ende des Tages bezahlt. Wir haben keinen großen Masterplan, wir machen nur das, was wir machen und versuchen dabei smart zu bleiben.

Welche Vision verfolgst du genau mit Polar?
Ich denke, es geht grundsätzlich darum, andere Menschen zu inspirieren. Coolen und interessanten Stuff für Skater zu machen. Ich möchte, dass Leute uns als kreative Bewegung begreifen und Teil der Plattform sein können. Dass Leute raus gehen und sagen: „Funk, ich bin gestoked!“ und selbst auch coole Dinge machen wollen – sei es, eine Jumpramp zu bauen oder den ganzen Tag mit dem Board durch die Stadt zu pushen, das ist Fun! Oder eine Holzplatte zu besorgen und damit etwas zu machen wie bei Trocadero Days, oder sich für eine gute Grafik zu entscheiden, oder sein Griptape mit Artwork zu versehen oder irgendwo auf der Welt herumzuliegen mit Happy Sad Socken und ein Foto davon zu schießen. Was auch immer die Vision sein mag, es geht darum, Kreativität in die Welt zu tragen.

Wie wichtig ist dabei die Qualität?
Die ist sehr wichtig! Wir arbeiten nur mit Fabriken zusammen, bei denen die menschlichen Bedingungen stimmen. Wir haben z.B. unsere Deckproduktion von China nach Mexiko zu Generator verlagert, da die Bedingungen in China einfach nicht gut sind und ich kein Teil dessen sein möchte. Manche Leute akzeptieren das und rechtfertigen es damit, dass China „eine andere Welt sei“ und der Preis natürlich gut ist. Und selbst die Qualität ist nicht mal schlecht. Aber ich war da und habe alles gesehen. Das ist nichts für Polar, das können wir nicht unterstützen, auch wenn die Boards in Mexiko teurer sind und wir eindeutig auf Profit verzichten. Dafür gehe ich mit ruhigem Gewissen und guten Herzens nachts schlafen.

Vielen Dank Pontus!
Danke euch!


by Benni Markstein
Fotos: Nils Svensson & Pontus Alv

Hinter jedem guten Brand steckt immer ein guter Art Director. Alles geht durch seine Hände und prägt die visuelle Identität der Marke. Unsere Rubrik Behind the Scenes gibt Einblicke in die Arbeit der kreativen Köpfe bei den aufregendsten Brands… Und als „aufregend“ kann man das momentane Leben von Pontus Alv sicherlich bezeichnen. Immer auf dem Sprung, die nächste Idee im Kopf, ein wahrer Denker und Lenker. So war es vor drei Jahren, als er zusammen mit seinem langjährigen Freund Stefan Narancic Polar Skateboards in die weite Welt entsandte. Es kamen als Teamfahrer und weiterer kreativer Kopf Jacob Ovgren und der Fotograf Nils Svensson ins polare Art Department hinzu. Man machte sich gemeinsam daran, die Skateboard-Welt auf ein modernes, europäisches Maß der Dinge zu heben. Interessant hierbei sind vor allem zwei Aspekte: zum einen die schier unendliche Kreativität, die aus Malmö kommt; zum anderen die fast schon naive DIY-Attitüde der Business-Neulinge. Wir interessieren uns für beides und haben die Verantwortlichen zum Gespräch getroffen.

Hi Stefan, woher kommst du, und was ist dein Background?
Ich wurde 1977 im Süden Schwedens geboren und bin in Malmö groß geworden. Meine Eltern kommen aus dem ehemaligen Jugoslawien. Zu Hause wurde ich jugoslawisch erzogen, und vor der Tür habe ich Schwedisch gelernt.

Wie bist du bei Design, Zeichnen und Malen gelandet?
Als ich so 20 war und es mit dem Skateboarding nicht mehr so geklappt hat, brauchte ich eine Alternative, der ich mich widmen konnte und die mir im besten Falle auch eine berufliche Zukunft geben würde. Ich hatte Mathe, Physik und Chemie studiert, weil ich ursprünglich Wissenschaftler werden wollte – meine Noten waren aber zu schlecht, weil ich mehr geskatet bin als zu lernen. Das Einzige, was mir schon immer Spaß gemacht hat, war das Zeichnen, also schlug ich diesen Weg ein. Ich war nicht besonders gut und konnte deswegen keine Kunst- oder Designschulen besuchen, aber irgendwann durfte ich an einem Computer- und Mediakurs teilnehmen – und das war, was ich gebraucht hatte. Ich arbeitete dort zum ersten Mal mit Photoshop und Illustrator und lernte dort auch einen Freund kennen, der mir viel über die Kunstwelt beigebracht hat. Ab dem Zeitpunkt war ich superinteressiert, fing an zu üben, zu studieren und habe alles andere um mich herum vergessen.

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Wie bist du denn zum Skateboarding gekommen?
Ende der Achtziger gab es in Schweden einen Skateboard-Boom. In meiner Nachbarschaft gab es eine Demo mit Mike Vallely, die ich aber verpasste, weil ich den ganzen Sommer in Jugoslawien war. Als ich zurückkam, skateten alle meine Freunde – es war verrückt: Überall Skater mit Rat Bones-Jogginghosen und Vision-Boards.

Erinnerst du dich an dein erstes Board?
Mein erstes Board war ein rotes Plastikboard. Irgendwann hat mein Bruder mir mein erstes Pro-Board geschenkt: Ein gebrauchtes Vision Mark Gonzales. Das erste Board, das ich mir gekauft habe, war ein schwarzes Powell „Skull & Snake“ Mike McGill mit blauen Rat Bones-Rollen – ich glaube es hatte weiße Tracker-Achsen.

Muss man gelangweilt sein, um Kunst zu machen?
Auf keinen Fall. Es gibt kein Universalrezept um Kunst zu machen, jeder hat da seine eigene Herangehensweise. Langeweile war nie mein Antrieb. Mich fasziniert es, Ideen und Geschichten zu erzählen, und ich mag die handwerkliche Komponente. Seit ich die Kunst entdeckt habe, kenne ich keine Langeweile mehr, es gibt immer was zu lernen.

Hast du studiert oder dir alles selbst beigebracht?
Ich bin auf die Danish School of Design am Institute For Visual Communication gegangen und hatte als Schwerpunkte Illustration und Animation. Nach meinem Bachelor habe ich die Schule verlassen und als Freelancer hauptsächlich für die Werbung gearbeitet. Ich habe in diesen Jahren sehr viel über Kommunikation, Design, 3D, Film, Animation und Motion Design gelernt, wollte aber eigentlich viel lieber zeichnen und malen. Also habe ich irgendwann versucht, das full-time durchzuziehen – um meine Miete zu zahlen habe ich dann Auftragsarbeiten gemacht.

Was inspiriert dich?
Heutzutage ist es durch das Internet relativ leicht, sich vielfältig zu bilden und zu lernen. Selbst die auf den ersten Blick uninteressanten Dinge werden interessant, wenn man sich mit ihnen beschäftigt, man muss nur offen sein für alles. Es ist unglaublich, wie viel ich in den letzten Jahren durch das Internet gelernt habe. Viele Themen ergänzen sich wunderbar, auch wenn man es nicht auf den ersten Blick wahrnimmt, sondern erst bei der Arbeit merkt. Natürlich kommt auch viel Inspiration durch das Studium: Die Meister der Renaissance, zeitgenössische Kunst, Skulpturen. Alles ist irgendwie interessant und ergänzt sich nahtlos.

Wie lange kennst du Pontus mittlerweile?
Ich glaube Pontus war sieben und ich war 10 – also 26 Jahre…

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Wie hat das mit Polar seinen Lauf genommen?
Im Januar 2011 erzählte mir Pontus, dass er bereit sei für das nächste Kapitel seiner Skateboard-Karriere und eine neue Company starten wollte, die für all die Dinge steht, die uns am Skateboarding seit jeher faszinieren. Er sagte, er wolle all seine Kraft in das Projekt stecken und hätte Nils Svensson und mich als Art Departement im Auge. Wir fuhren wochenlang umher und suchten nach einem erschwinglichen Büro. Während wir suchten, sprachen wir viel über die alten Zeiten, Dinge, die wir mögen und wie wir diese in die heutige Zeit übertragen könnten. Der Name Polar kam mir in den Kopf, und ich erzählte Pontus davon; als er daraufhin sagte, er habe den Namen auch schon im Kopf gehabt, war alles klar. Ich fing an, das Logo zu entwerfen und es zu animieren, das war der Anfang. Jacob Ovgreen kam ins Skate-Team und unterstützt mich seitdem auch im Drawing Department.

Wie würdest du die visuelle Identität von Polar beschreiben?
Wir versuchen, uns kreative Freiheiten zu lassen und können so persönlichen Stil einbringen und uns weiterentwickeln. Die einzige Regel lautet: Keine Logo-Boards.


Was designst du am liebsten?
Ich mag es, Geschichten zu erzählen, dabei aber noch genüg Platz für Interpretationen zu lassen. Wie ein Still aus einem Film, bei dem man sich vorstellt, was davor und was danach passiert. Vielleicht ist es also eher ein Vorschlag zu einer Geschichte, als eine wirkliche Erzählung. Ich lasse mich bei meinen Zeichnungen einfach treiben – wenn ich anfange, habe ich meistens nur eine vage Idee im Kopf. Im Moment arbeite ich am liebsten mit Graphit, Acryl und Vektorgrafik…

Hast du ein persönliches Lieblings-Artwork?
Nein, ich habe keinen wirklichen Favoriten. Ich bin irgendwie happy mit allen Sachen, die ich gemacht habe, aus den verschiedensten Gründen. Die Antidote-Boards sind wichtig für mich, weil es eine spezielle Zeit war, als ich sie gemalt habe. Der Lucid Dreamer ist vom Thema interessant für mich und Oski.

Wie sieht ein typischer Tag im Office kurz vor der Deadline aus?
Wenn ich früh genug im Büro bin, zeichne ich erst mal eine Stunde – das bringt mich in die richtige Stimmung. Später mache ich Illustrator auf, spiele ein bisschen rum und mache Reinzeichnungen von den Arbeiten, die ich in diesem Monat für Polar gemacht habe. Bis ich zufrieden und fertig bin, vergehen ein paar Stunden und der Arbeitstag ist gelaufen. Danach widme ich mich meinen persönlichen Sachen und zeichne so viel ich kann. Am nächsten Tag gehe ich dann zum Polar-Büro und präsentiere meine Arbeiten, wir diskutieren über Details und Farben – meistens denken wir ziemlich ähnlich, aber was Farben angeht… Pontus mag es bunter und kontrastreicher als ich. Wir müssen also Kompromisse schließen, bevor wir uns an neue Arrangements machen und noch mal die Sachen durchgehen, die es nicht in die engere Auswahl geschafft haben. Manchmal finden Pontus und Jakke noch etwas, das sie dann doch mögen und das heißt für mich: Nachtschicht. Ich mache die Sachen dann druckfertig und schicke die Dokumente an Pontus.

Bist du in Kontakt mit den Teamfahrern und bekommst Input von ihnen, oder schlägst du deine Ideen vor?
Wir haben einen Whatsapp Chat für die Firma, wo wir miteinander kommunizieren. Pontus oder ich schicken Previews rum und die Teamfahrer teilen ihre Meinung mit uns. Sie sind ehrlich, und es lässt sich so gut mit ihnen arbeiten…

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Hat Pontus immer das letzte Wort?
Technisch gesehen schon. Er hat all die Verantwortung, verwaltet die Finanzen und ist Kontaktperson für die Produzenten.

Was gefällt dir besonders an Polar?
Ich bin von Anfang an dabei und habe die Freiheit, meine eigene visuelle Sprache zu entwickeln. Einen Job zu haben, bei dem ich mit meinen engsten Freunden zusammenarbeite und viele Leute kennenlerne – das macht mich glücklich. Mich freut, dass Polar weltweit geschätzt und anerkannt wird.

Interview: Benni Markstein
Fotos: Stefan Ward

Hinter jedem guten Brand steckt immer ein guter Art Director. Alles geht durch seine Hände und prägt die visuelle Identität der Marke. Unsere Rubrik Behind the Scenes gibt Einblicke in die Arbeit der kreativen Köpfe bei den aufregendsten Brands. Wemoto Clothing feiert Parties auf T-Shirts und chillt mit dem Rest. Wemoto ist das uneheliche Baby von Gregor Garkisch, Patrick Lotz und Stefan Golz, wobei sich letzterer seit den Anfangstagen um das visuelle Erscheinungsbild der kleinen Company mit Sitz im beschaulichen Idstein kümmert. Wir haben uns mit Stefan getroffen, geplaudert und seine Arbeit mal genauer unter die Lupe genommen – Vorhang auf für Stefan Golz.

Interview: Pillepopstar

Hallo Stefan, gib uns doch erst einmal ein paar Fakten zu deiner Person durch und erzähl von deinem persönlichem Werdegang. Wie bist du beim Design gelandet?

Mein Name ist Stefan Golz, Mitgründer von Wemoto Clothing, und ich kümmere mich um das Design und die Creative Direction des Brands. Ich habe schon als Kind viel gezeichnet, gemalt und gebastelt. Mein Vater, der auch schon immer kreativ tätig war, hatte da auch einen großen Einfluss auf mich. So mit 13, 14 habe ich dann auf der Schule „Gleichgesinnte“ getroffen und gemeinsam mit ihnen alles rund um Graffiti, HipHop und vor allem Skateboarding in mich aufgesogen. Von da an war dann klar, was ich später mal machen wollte.

Welchen Stellenwert also hatte Skateboarding bei deiner Entwicklung?

Einen sehr großen. Durch Skateboarding habe ich sehr viele meiner Freunde kennengelernt und bin auf Illustratoren und Künstler wie Sean Cliver oder Mark McKee gestoßen, deren Arbeiten mich einfach umgehauen haben und damals einen sehr großen Einfluss auf mich hatten. Skateboarding ist für mich mehr individueller Lebensausdruck als eine reine Sportart. Die Nähe zur Musik, zur Mode und zur Kunst hat mich vom ersten Tag an gefesselt und bis heute nicht mehr losgelassen.

Du wohnst in Mainz, eine gute Stadt, was Inspiration angeht – oder woher nimmst du deine Ideen?

Inspiration kommt eigentlich durch alles Mögliche, was so um mich herum passiert. Reisen, Freunde, Ausstellungen, Bücher etc. Ein sehr wichtiger Aspekt aber ist Musik, die mich immer wieder auf neue Ideen bringt. Weniger durch die Inhalte, als durch die Stimmung, die sie transportiert. In Mainz fühle ich mich sehr wohl. Auch die Nähe zu Frankfurt, Wiesbaden oder Darmstadt finde ich super, da jede dieser Städte, obwohl sie im Prinzip ja in Sichtweite liegen, ganz unterschiedlich ist.

Erzähl uns mal was zu deinen Weapons of Choice, womit arbeitest du auf welchem Medium am liebsten und warum?

Ich zeichne unheimlich gerne mit Tusche oder Pigment Liner auf beschichtetem Papier. Ich mag den Farbauftrag und die Reduktion bei einer Schwarz-Weiß-Zeichnung.

Wie entwickelst du deine Grafiken? Gibt es da feste Arbeitsabläufe?

Anders als während der Entwicklung der Cut-&-Sew-Kollektion, verfolge ich bei den Grafiken erst mal kein festes Konzept. Meist entwickelt sich das ganz fließend. Die besten Ideen bespreche ich dann noch mal mit Gregor und Patrick. Wenn wir uns einig sind, geht es dann an die finale Umsetzung.

Kommen wir mal auf Wemoto zu sprechen – gib uns doch bitte mal einen kurzen historischen Abriss!

Gregor, Patrick und ich haben mit Wemoto 2003 begonnen. Wir wollten einfach was Cooles auf die Beine stellen, unserem kreativen Output eine Plattform geben. 2004 haben wir dann die ersten T-Shirts sprichwörtlich aus dem Kofferraum heraus verkauft. Das lief echt gut und bald hatten wir sogar Läden wie Colette in Paris bei uns auf der Kundenliste. Wir versuchen immer in Bewegung zu bleiben und Wemoto weiterzuentwickeln. Nach dem Studium mussten wir uns dann entscheiden: 9-to-5 in einem Büro oder Wemoto. Seitdem legen wir, wie auch zuvor, unser ganzes Herzblut in Wemoto.

Verfolgt ihr mit Wemoto eine Philosophie, die du uns in einem Satz erklären kannst?

Gregor hat es vor Jahren in einem Interview wie ich finde ganz treffend formuliert: „Make the party on the shirt and chill with the rest.“

Wo liegen die Unterschiede zwischen deinen persönlichen Arbeiten und den Designs für Wemoto? Gibt es überhaupt welche?

Es gibt hier und da mal inhaltlich und formell kleinere Unterschiede, prinzipiell gehen die Zeichnungen für Wemoto und meine künstlerische Arbeit aber eher Hand in Hand.

Ihr seid, was Kollaborationen angeht, recht offen; mit welchen Künstlern habt ihr schon zusammengearbeitet?

Aktuell mit den Fotografen Nils Mueller und Ramon Haindl. Im Winter kommt eine schöne Kollaboration mit Jason Sellers, der auch unsere Kataloge fotografiert. Dann mit den „international Topsprayern“ Moses & Taps, Lain Schibli vom Amateur Magazine, dem New Yorker Kollektiv/Brand UXA und natürlich mit einigen Brands wie z.B. Pointer, Manhattan Portage, Homemade und einigen mehr.

Wie wählt ihr denn eure Kollabopartner aus? Läuft das auf persönlicher Ebene ab, wie kann man sich das vorstellen?

Eigentlich immer auf freundschaftlicher Ebene. Man trifft sich irgendwo, unterhält sich und tütet nebenher eine mögliche Kollabo ein. Mit den meisten Kollaborationspartnern, egal ob Künstler, Grafiker oder Brand, verbindet uns auch ein persönliches Verhältnis.

Dein Büro befindet sich in Mainz, der Rest von Wemoto arbeitet in Idstein, soweit ich weiß. Wie läuft eure Zusammenarbeit ab?

Wir versuchen uns mindestens einmal in der Woche zu treffen, um die wichtigsten Sachen zu besprechen und deren Ablauf zu planen. Außerdem telefonieren wir meist mehrmals täglich miteinander. Wir sind von Anfang an eigentlich schon ein sehr gut eingespieltes Team gewesen.

Wenn man eure Kollektionen der letzten Jahre anguckt, kommt es mir vor, als würdet ihr immer schlichter werden. Beschreib doch mal in deinen Worten, wie sich Wemoto designtechnisch entwickelt hat.

Wir legen großen Wert auf qualitative Materialien, die sich von anderen Brands Unterscheiden, eigene Farbwelten und schöne Details, die einem oft erst auf den zweiten Blick auffallen. Ansonsten versuchen wir uns bei unseren Kollektionen auf das Wesentliche zu konzentrieren und Styles zu entwickeln, die sich zwar an modischen Strömungen orientieren aber auch eine gewisse Zeitlosigkeit besitzen.

Siehst du es auch so, dass die Grenzen zwischen Skateboarding, Streetwear und Lifestyle immer fließender werden? Wer bedient sich eigentlich mittlerweile bei wem?

Für uns waren diese Grenzen eigentlich auch schon immer fließend. Brands wie beispielsweise Stüssy haben es schon seit den frühen Achtzigern verstanden, Mode, Musik sowie den dazugehörigen Lifestyle von Surfern und Skateboardern auf eine sehr homogene Weise zu kommunizieren. Wir sehen uns da in einer ähnlichen Tradition. Aber natürlich ist es schon zu beobachten, dass sich eine Art Kommerzialisierung eingestellt hat, und Marken, deren Wurzeln im Fashion-Bereich liegen, Dinge machen, die vor einiger Zeit reinen Skate- oder Streetwear-Brands zugeordnet werden konnte.

Wie sieht die Zukunft bei Wemoto aus, wohin geht die Reise?

Wir wollen uns weiterhin auf ein gutes Produkt konzentrieren.

Und wie steht’s denn eigentlich um eure Aktivitäten auf dem Skateboard? Noch aktiv?

Patrick und Gregor sind beide noch am Start. Meist auf der Mini von Patrick. Ich hab schon länger nicht mehr auf einem Board gestanden.

Habt ihr eigentlich was mit MC Fitti am Hut, oder wie kommt es, dass er in „Yolo“ über „Sportsitze mit Schonbezügen von Wemoto“ rappt?

Wir haben uns riesig gefreut, dass er gegen eine Barauszahlung von 250.000 EUR den Namen Wemoto in einem seiner Texte gedroppt hat … hahaha! Nein, wir kannten Fitti noch bevor alles so abging. Wir fanden seine Sachen immer witzig und cool und haben ihn mit Stuff supported.

Danke für deine Zeit, Stefan! Grüße?

Sehr gerne. Grüße gehen natürlich raus an meine beiden Jungs Gregor und Patrick!

Fotos: Wemoto

Behind every good brand is a great Art Director. Everything the brand puts out goes through the art director who creates the visual identity. Behind the scenes takes a look at the work of the art director of the some of the most cutting edge and exciting brands.
For this issue we talked to Scott Tepper and Keith Hufnagel as they´re supposed to be the masterminds behind nowadays faster than ever growing company HUF. They´re able to not just do likable products or buy in the best skateboarders to testimonialiseize a their logo. Furthermore they know how to connect different kinds of lifestyle, art, fashion and of course skateboarding. We took our chance to get a view behind the curtain.

Interview with Scott Tepper

Hi Scott, what is your background? How did you get into graphic design?

As far back as I can remember I was always drawing and painting. While growing up in New Jersey, I was exposed to art and design from a very young age by my father, who was himself an Art Director for Avon Books. Early on my dad would take me to work with him in NYC and I guess that is when I realized a living could be made doing what I loved: drawing. This was also around the time I would be exposed to graffiti on the subway cars and was instantly hooked. Some of my earliest drawings were of B-Boys and Subway cars. I began actually writing graffiti around 9 years old. Between my father’s creative support and graffiti, I’d say those are the two things that guided me into my career.

Did you study or is everything DIY-style?

Both, kind of…
Both my parents passed away early on and money for school was not available to me. I managed to get an in-house freelance job at Ecko Unltd., and it was there that I’d ask a lot of questions to my fellow designers, usually regarding the computer. This was my first real creative job.
I could not afford school so I used to sneak into FIT and sit in on classes. I would have to bullshit the professors to not kick me out since I was not on the class roster or paying for class. I guess you can say I stole some of my education.
After Ecko I moved on to Akademiks where I would take the apparel tech packs home and study them to learn how to design apparel and properly tech pack my designs to get made. I guess it was very DIY now that I reflect on it.

How did you get into skateboarding?

Skating in my town, while I was growing up, was not mainstream like it is today at all. So naturally I was attracted to it. I looked up to the older guys who skated and wrote graffiti. Fortunately, they accepted me and taught me a lot of shit, for better or worse.

Do you remember the first board you ever got?

A Powell Peralta Caballero.

What inspires you?

My Dad (R.I.P.), my friends, graffiti, vintage design annuals from the 60’s & 70’s, antique furniture/woodworking, handmade craftsmanship… pretty much anything I see intelligence in that inspires me to design better and smarter, and overall to be more clever.

When and how did you get involved within the skateboard industry?

I guess 2006’ish when I moved to California. New York City did not have many avenues that were purely skate. California definitely has more opportunity for someone with my skill set who desires that sort of freedom a company in this industry can provide.

When and how did you get involved with HUF?

I was actually leaving another job and had all intentions of launching a creative agency with some other friends. I had turned down a bunch of offers elsewhere in the industry, but said to myself, if HUF had a good offer, I would stick around and work with them.
They gave me an offer which included creative freedom and an opportunity to help elevate the brand. I could not pass that up. The brand has too much potential.

What is your official job title now?

Creative Director

How would you describe the visual philosophy for HUF?

Fuck it.

What type of stuff do you like design the most? Shoes or shirts?

All of it. Literally. But I have a deep love for Typography so any chance I get to flex there I jump at the opportunity.

Which of your work would you say is your personal favorite so far?

It is all rewarding when it comes to fruition, but the two booths I did for the Agenda Tradeshow were a lot of fun. One was a NYC Bodega theme with canned goods and a sock vending machine. The next one was an LA Swap Meet theme equipped with an embroidery machine, a ghetto jewelry store and a martial arts supply store facade. I take up any opportunity to get off the computer and work with my hands.

Describe a usual day at the office, while approaching up on a deadline.

Everyday is a deadline…

How much of a free hand do you have in making decisions? Does your work gets checked off by a bunch of people before actually going into print/ production?

One of the reasons I love HUF is that Keith and the brand as a whole trusts me to make the right decisions. I have worked places with a ton of red tape and because of it nothing gets accomplished. That being said I make sure Keith and I have a clear line of communication at all times and that his vision for the brand is being upheld.

Are you in touch with all the team riders to gain their input, or do you propose your idea’s to them?

Yeah absolutely, as much as I can be. They live all over the country so I rely heavily on our team manager Tyler Cichy to keep me up to date with them all. Ultimately I want to help them build their brands and especially do so with HUF so I am always looking for their input. It is very important to us.

In the end, does Keith always have the last word?

100%. Every decision I make or thing I design, I have Keith and the brand that bears his name in mind. Keith has a strong vision for the brand and I am here to make sure that vision becomes a reality.

What makes you happy?

Mid Century furniture, drawing, spray paint, flea market treasures, Jameson, Ebay, my girl & pizza.


Interview with Keith Hufnagel

 Hi Keith, you have been one of the pioneers to connect skateboarding to streetwear and sneaker fashion. Did you know ten years ago that the connection will be so huge now?

Ha! Never!!! I really just started out doing things that I liked and was always into. Being from NYC I have always been into streetwear, footwear, and skateboarding so it all just came about very natural. I think there is some sort of interrelated connection that runs throughout all three, being that they are all born of the streets. As a skateboarder always out on the streets, you’re going to tend to adopt and take influence from all the elements that you are surrounded by. I think music and art play a huge role in weaving the three together as well.
How important is this connection nowadays?

This connection is extremely important. I think this is the reason that there is even a company in existence called HUF today. All of these elements came together at the right place and the right time, and is what really brought this brand to life. Contemporary culture has been slowly progressing into an age of more and more amalgamation, collaboration, collage… The boundaries between all of these cultural mediums continues to blur into one another, so I think we will continue to see an increase in crossover/influence between skateboarding, music, art, photography, streetwear, sneakers, etc…

Please describe “parallel skateboard mentality.”

Hmm…well taken out of context it is a bit hard to define, haha, but it is in line with the idea I was describing above in which these street-based countercultures tend to feed off each other, working in a mutual interdependency in order to shape one another. I think there is much more in common than we sometimes think between something like skateboarding, art, music, etc., in that it all revolves around artistic expression and the way an individual chooses to express that creativity. These different mediums tend to work off each other in a very parallel progression.
In your opinion, who are the most important influencers in skateboarding today?

Wow, there are so many skateboarders today it gets hard to keep track. I still really think Mark Gonzales is the biggest influence to this day. He is a great example of what I describe above, in that he has always pushed the creative limits when it comes to skateboarding and art, and continually blurs that distinction between these cultures. He takes elements from art, music, skateboarding, graffiti, fashion, poetry, and whatever the hell else he wants and just blends them all into this amazing thing that is his own. The way he skates is like jazz: improv, inventive, and always a surprise.
Two others I’d have to mention as major influences on the way we see skateboarding today are also Guy Mariano and Lance Mountain. These guys have been killing it for 2 decades and still continue to do so.
Who are your Top 3 skateboarders at the moment?

Dylan Reider, Brandon Westgate, Ishod Wair
Which are your Top 3 companies at the moment?

Norse, Supreme, Stussy. Oh, and HUF!!!!

 What´s your trend forecast for the next years? Where is skateboarding going? More super-commercial-tv-event-shows or back to the roots?

Shit, it’s sad to say but a lot of skateboarding has been going corporate. All these massive corporations are trying to claim a stake in skateboarding and have their own piece of it in their history. It’s often hard if you’re a struggling skateboarder or small brand to resist, as sometimes it is either sign on or go under. There has definitely been an explosion of money into skateboarding in recent years that we have never seen before, which is always hard to predict. We’ve seen this happen in waves before, where these corporations that are only interested in quick money pull out without a second thought the second they start losing profits…which completely fucks over actual skateboarders. I feel like the underground will always be there, but it may never be the same after how mainstream skateboarding has become. The corporations have penetrated and now everything has changed. Some for the better and some for the worse. So yes, its going big big big. Street League. ESPN. Skateboarding will always be cool… it’s skateboarding. But the future brings more and more corpo dollars into it. The roots will always be there and hopefully a young skateboarder just does it because he loves it and not because you can now earn half a million dollars on Street League. Trends for Streetwear… It’s coming back full circle into the early 2000s. Get ready for more all-over, repeat patterns, but done in a classier way, haha.

What´s your favourite thing about skateboarding for life?

The freedom to do whatever you want. Skateboarding has always been more of an art than a sport to me. It will always provide a way to creatively express yourself.
All Photos by Huf.